Del libro ‘El cine según Hitchcock’…
ALFRED HITCHCOCK Cuando un personaje, que estaba sentado, se levanta para andar por una habitación, procuro siempre evitar el cambio de ángulo o hacer retroceder la cámara. Comienzo siempre el movimiento en el primer plano, en el mismo primer plano de que me servía cuando estaba sentado. En la mayoría de las películas, si se presenta a dos personajes discutiendo, tiene usted un primer plano de uno, primer plano de otro, primer plano de uno, primer plano de otro, y, de pronto, un plano general para permitir a uno de los personajes que se levante y se marche. Pienso que es una equivocación hacer eso.
FRANÇOIS TRUFFAUT Yo también lo creo porque en ese caso la técnica precede a la acción el lugar de acompañarla y el público puede adivinar que uno de los personajes va a levantarse… Dicho de otra manera, no hay que cambiar nunca el emplazamiento de la cámara con el deseo de favorecer la colocación futura de lo que va a seguir.
A.H. Exáctamente, porque de esa manera se interrumpe la emoción, y estoy convencido de que eso es malo. Si un personaje se mueve y se quiere conservar la emoción sobre su cara, hay que hacer que el primer plano viaje.
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Hace no mucho un amigo que no tengo me refirió esta historia completamente inventada. La noche del 3 de agosto de 1985 Joseph Sargent estaba en su casa viendo ‘Plan 9 del espacio exterior’ cuando recibió la visita del espíritu de Ed Wood. Éste le comunicó que para la primera película de su indiscutible heredero (un boxeador alemán aficionado a los videojuegos) quedaba casi una década, por lo que urgía realizar una verdadera obra maestra antes de que acabaran los ochenta. Sargent hizo a un lado la cachimba, se arrodilló ante el espectro y juró por su vida hacer una película que honrara el legado de Edward Davis Wood Jr. Ed, satisfecho, sugirió una continuación de la excelente Tiburón 3, y Sargent inclinó conforme la cabeza antes de desmayarse.
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Taxi Driver (1976)
dirigida por Martin Scorsese
escrita por Paul Schrader
interpretada por Robert De Niro, Jodie Foster, Cybill Shepherd
‘Taxi Driver’, una de las grandes obras de Martin Scorsese, no ha envejecido un fotograma. Puede parecer una afirmación arrogante para alguién que no vivió los 70 americanos, que no conoce de primera mano la cultura y la sociedad reflejadas -cultura y sociedad, además, cuyo conocimiento ha venido determinado por la simbología de Hollywood (entre la que se encuentra sin duda esta película)-, pero es precisamente eso lo que me autoriza. La prueba de la vigencia de ‘Taxi Driver’, y también la razón de su éxito, es la íntima empatía del espectador de cualquier condición con su protagonista.
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Después de publicar la opinión de mis lectores sobre las mejores películas de la década, faltaba la mía. Viene con retraso porque he intentado, sin éxito, ponerme al día con todo aquello que pensaba sería importante ver antes de conformar mi lista. La tarea se antojó interminable y la perspectiva era errónea. No se trata de que vea todo para que la lista se ajuste mejor a una verdad de excelencia; se trata de que haya visto lo máximo posible para elaborar una relación abierta de películas que destacan entre el resto, que son grano entre paja. El criterio que he seguido para incluír una película en esta lista ampliable ha sido hacer caso de mi instinto. Soy defensor a ultranza del pensamiento crítico, pero una vez dadas todas las vueltas posibles el indicador más sincero es qué siento cuando la veo.
Después del salto, 24 películas hechas entre el año 2000 y 2009 que han ampliado mi visión del mundo y del cine. Sigue leyendo »
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No es la primera vez que me descubro delante del ordenador, a altas horas de la madrugada, con la inefable y angustiosa sensación de que me queda todo por conocer, porque no soy sino un ingenuo que apenas ha vislumbrado distante la verdad escondida. Esa inseguridad y exagerado sentimiento de ignorancia -casi siempre cinematográfica- vienen acompañadas por una especie de pulsión lectora que me lleva de una página a otra en una espiral frenética de links que, de no ser por motivos de cansancio físico, no acabaría nunca. Es una mezcla de curiosidad y frustración; por un lado deseas seguir informándote para ver si llegua el dichoso conocimiento y por otro necesitas tomar parte en el asunto, dejar de leer e involucrarte. El deseo de implicación se manifiesta en destellos de ideas o imágenes que filmar o en opiniones que deben ser de inmediato redactadas con prosa impecable. Esta noche, aunque no haré una cosa ni la otra, os relato mi experiencia con la esperanza de acostarme sin fantasmas.
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Ayer hizo dos años de mi primer post en el blog. Con esto de la vocación uno hipoteca tantas cosas “convenientes”, “útiles” y “prácticas”, que es invitable preguntarse de vez en cuando qué pinta un tipo como yo en un arte como éste. Si estoy dispuesto a sacrificar modos de vida más llanos y productivos debe ser por algo que de verdad me guste, que llene cada minuto de mi vida con un resplador de plenitud emocional e intelectual y convicción humanista y felicidad maravillosa. La realidad es que hasta los más cinéfilos cineastas tienen momentos de zozobra, esos en los que todo es duda, inseguridad y “menuda mierda de película, esta que se supone que es un clásico“. Del bache puedes salir de dos maneras, bien hundiéndote o bien elevándote; ninguna de las dos es definitiva, pero ambas te indican por dónde van los tiros, es decir, si materialismo o idealismo.
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Nunca antes de intentar escribir un guión me había percatado de lo sencilla que es la labor del espectador, incluso del espectador exigente y crítico. Por supuesto que existe una gran diferencia con el espectador pasivo, pero incluso cuando se ve, se mira, se observa una película con afán analítico, con interés verdadero por su historia y el engranaje que la genera, por comprender la visión de sus creadores y posicionarnos al respecto; cuando se evalúa, en definitiva, la obra que se nos ha proyectado, casi nunca se tiene en cuenta la enorme dificultad de su consecución.
Es inherente al espectador la ilusión de que una película existe como el resto de realidades, espontánea y natural. En las buenas películas especialmente, al conocer sólo el resultado óptimo y no todos los descartes, errores y caminos equivocados, se forma un espejismo que presenta a la obra final como algo casi lógico (¿Cómo iba a ser “Vértigo” de otra manera?). Aceptar el mundo propuesto por el director y su equipo como algo único e inalterable forma parte de la maravilla del cine y de la naturaleza del espectador. Sin embargo, los que queremos crear el nuestro no tenemos más remedio que asumir que existen infinitas posibilidades y que hay que tomar decisiones.
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Terminator Salvation (2009)
dirigida por McG
escrita por John D. Brancato y Michael Ferris
interpretada por Christian Bale, Sam Worthington, Moon Bloodgood
Una de las sensaciones predominantes mientras veía ayer ‘Terminator Salvation’ fue nostálgica. No me gusta remover asiduamente el baúl de los recuerdos, meter la mano y sacar ejemplos de un pasado mejor; prefiero pensar que para ver cosas buenas se puede mirar también al presente y otear el futuro. Sin embargo, eché de menos a James Cameron y su ‘Terminator 2′, a la disfuncional familia Connor bajo la tutela de una máquina muy humana, a un villano carismático y una acción al servicio de la historia y no viceversa.
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El storyboard es una herramienta muy útil para el proceso de visualización de una película. A modo de dibujo se representa el punto de vista de la cámara con los distintos elementos que intervienen en la imagen; sirve para concretar lo que el director tiene en mente y dar una idea del resultado final, es decir, la sucesión de planos y la puesta en escena pretendidos.
Alfred Hitchcock era uno de los mayores promotores y entusiastas del storyboard, y lo utilizaba continuamente para planificar sus escenas más complicadas. Presumía de que sus películas estaban ya terminadas antes de empezar a hacerse, y lo cierto es que su visión de lo que quería era tan contundente y cristalina en su cabeza que casi nunca miraba a través del objetivo de la cámara. Los storyboards daban la primera forma tangible a las imágenes abstractas que Hitchcock concebía en su genialidad, y demostraban que efectivamente había rodado la película antes de pisar un solo set.
El que viene a continuación es obra del director artístico y dibujante Harold Michelson, que trabajó para Hitchcock en Marnie, la ladrona y Los pájaros; a esta última corresponden los dibujos que van acompañados, al final, de un vídeo de la escena en cuestión. Se trata del momento en que los pájaros atacan a los niños de la escuela de Bodega Bay, una escena que se me quedó grabada desde la primera vez que la vi y es una de las muchas causas de que venere sin concesión a Alfred Hitchcock.
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